Cómo crear el diálogo de tu personaje en tu guión

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Un intercambio verbal bien hecho es como una canción pegadiza. La dicción proporciona la letra; la música proporciona la melodía. El diálogo se basa en los sonidos de las palabras así como en sus definiciones, en el ritmo de una conversación así como en su significado. Si se bloquea el significado literal de una discusión y se aíslan los sonidos que la componen, se descubre un ritmo que mantiene unido todo el intercambio. Shakespeare escribió en el patrón no estresado y estresado del pentámetro yámbico. Por qué? Porque imita la cadencia del habla natural. Es un lirio. El diálogo de David Mamet y Oliver Stone explota fuera de la página. Por qué? Usan palabras explosivas de una manera explosiva. El resultado son fuegos artificiales verbales.

Compare estos dos ejemplos. La primera es de Under Milkwood, una obra radiofónica de Dylan Thomas. La segunda es de Boca de Vaquero de Sam Shepard.

«Es primavera, noche sin luna en el pequeño pueblo, sin estrellas y de color negro bíblico, los cobblestreets silenciosos y los cortesanos y conejos encorvados de madera cojeando invisibles hasta el mar negro, lento, negro, negro, negro de paloma, que se balancea como un bote de pesca.»

«No necesito un cordero negro con una campana en la cola y no tendré una cuna para un cuervo muerto». ¡Tengo un bebé! ¡Mi propio bebé! Con su propia cuna! «¡Me has robado de la cuna de mi bebé!»

Fuera de contexto, estos pasajes pueden no tener sentido, pero cada uno tiene un sonido y un ritmo distintos. La primera no es muy distinta a una canción de cuna, lenta y cantarina. El segundo pasaje usa consonantes sordas y repetición para llevar su significado a casa. Ambas selecciones se mantienen juntas no por la elección de palabras solas, sino por el sonido de cada palabra en conjunción con las otras, por la melodía sentida que esos sonidos crean juntos. Se mantienen unidos, en parte, por la música.

El componente musical de los diálogos es responsable de cualquier tensión creciente o corriente emocional en una escena. Después de que sepas qué tipo de frases pronuncia tu personaje, vuelve a trabajarlas con el oído hacia la melodía y la percusión. ¿Qué voces se realzan mutuamente? ¿Cuáles son combativas? ¿Cuál es el estado mental del personaje en el momento en que habla? ¿Cómo puedes transmitir ese estado de ánimo sólo a través del sonido? Alegría, miedo, ira, dolor, asombro – estas emociones tienen ritmos inconfundibles; escúchelas a su alrededor, examine su forma, y luego trate de recrearlas en la página. Como una canción pegadiza, eventualmente, se quedarán contigo.

Sonido 101: Usando la poesía como guía

Los términos aliteración y asonancia se utilizan a menudo en poesía, donde un sonido mal elegido puede hacer o romper la pieza. La aliteración se refiere a la repetición de consonantes y al efecto de esa repetición en el oído del oyente. Imagínate a un pequeño percusionista sentado dentro de cada palabra, haciendo coincidir un instrumento con cada consonante y sonando en sucesión. Tal vez golpea la dura «d’s» en un timbal y golpea la «t» en una trampa. Tal vez selecciona bloques de madera para crear los sonidos de la»ch» y sacude un palo de lluvia por un»sh». En cualquier caso, repite los sonidos de cada palabra de tal manera que producen un ritmo audible. Ese ritmo es aliteración.

Considere estos ejemplos:

«Hollywood está repleto de profesionales golpeando puertas.» La repetida «p» aquí crea el sonido de esas personas en acción.

«El viento silba a través del sauce.» El sonido «wh» aquí se convierte en el viento.

«Estupendo, digo yo. Estupendo. Es total y totalmente fantástico». Esta frase es explosiva en parte debido a las «t» resonantes.

La aliteración es útil cuando se quiere marcar una línea o enfatizarla para su audiencia. También tiende a acelerar una alineación. La aliteración puede producir el enojo mordaz de Don Corleone o el tartamudeo de Michael Palin en A Fish Called Wanda.

Si lo que buscas es puntuación o percusión, la aliteración es tu enfoque. Si estás tratando de producir un tono específico, lo que buscas es asonancia.

La asonancia es la repetición de un sonido vocal dentro de una frase. La asonancia crea el tono o timbre de una conversación.

Cuando se repiten en sucesión directa, las vocales pueden imitar la voz humana. Una oración llena de vocales puede producir un sutil gemido, lamento, chillido o llanto. De esta manera, la asonancia ayuda a crear un paisaje sonoro emocional para una frase, un discurso y posiblemente toda una conversación.

Considere estos ejemplos:

«No te vayas. no sabré qué hacer conmigo mismo solo». Las largas «oes» de esta frase subrayan su lúgubre petición. Ayudan a que la petición dure lo suficiente para que el otro personaje y, por lo tanto, el público, la escuche.

«Llovió en mi cumpleaños. Una lluvia fría que se negó a amainar hasta que los invitados se fueron». La larga «a» que suena aquí enfatiza la tristeza del orador.

«Volaré más alto que nunca. Volaré hasta que tus ojos no me detecten y me convierta en el cielo mismo». Las largas y repetidas «i» acentúan la determinación del orador. La frase tiene el sonido de un grito de victoria.

Si la aliteración acelera una frase, la asonancia la ralentiza. Si la aliteración proporciona una base para la conversación, la asonancia aumenta el estado de ánimo. Juntos, ayudan a un escritor a generar una paleta y un ritmo distintos para la voz de un personaje.

Fascinante ritmo: Elaborar el pulso de su guión

Abundan los clichés que representan la respuesta física del cuerpo a una gran emoción. Cuando son golpeados por el amor, los corazones laten salvajemente contra el pecho y las rodillas se debilitan. Cuando se tiene miedo, el pulso de una persona comienza a acelerarse y su boca se seca. Las personas enojadas pisotean y gruñen y escupen, o miran fríamente hacia adelante con poca o ninguna expresión. Todas estas respuestas son fáciles de ver, pero ¿qué pasa si cierras los ojos? ¿Los oirías también? Lo más probable es que sí, porque cada emoción tiene un pulso verbal que la acompaña, un ritmo que la delata.

Por supuesto, cada sentimiento suena un poco diferente en diferentes bocas, pero algo sobre la forma en que un personaje habla debería eventualmente sugerir la forma en que realmente se siente. Mientras escucha las conversaciones a su alrededor, escuche algunos elementos rítmicos clave:

Puntuación

La puntuación, o la falta de ella, se considera a menudo la clave para un diálogo que suene realista. Primero considera la interrupción, que aparece en tu guión como un guión. La gente a menudo se interrumpe a sí misma a mitad de la oración. Por qué? Tal vez están entusiasmados con algo y se adelantan mientras hablan.

«No puedo empezar a decirte lo maravilloso que fue todo – ¿mencioné la comida, oh la comida era justa – y el vino? fuera de este mundo – y el servicio?»

Te haces una idea. El hablante no puede transmitir la información tan rápido como su cerebro lo recuerda. Otra forma de interrupción ocurre cuando la gente piensa en las ideas mientras habla:

«Es mejor que la recepción empiece al mediodía, sí, al mediodía, o tal vez a la una. Eso podría ser mejor. Y el pastel debería ser de chocolate, pero Sal no puede comer chocolate, mejor que sea de vainilla. Llamé a los músicos – espera, ¿llamé a los músicos?»

Cuantos más pensamientos se les ocurran, más interrupciones ocurrirán. Los oradores también suelen interrumpirse o superponerse, especialmente cuando están en medio de una gran pasión. El pensamiento de una persona es desencadenado por una palabra o frase justo antes de ella. La tendencia es hablar inmediatamente después de escuchar esa palabra clave, sin importar si usted interrumpe a alguien para hacerlo. En este ejemplo de diálogo, vea si puede identificar qué palabras desencadenan la siguiente línea.

«Así que, almorcé con Daphne el otro día, y -«

«Daphne. No la he visto en, bueno, no puedo pensar en la última vez que…»

«Ella mencionó que no habías llamado. Le dije que estabas ocupado y -«

«Por supuesto que lo hizo. Ella siempre fue de las que siguen la pista de ese tipo de…»

«Ahora, ahora. No hay necesidad de empezar en…»

«Pero de verdad. ¿Qué derecho tiene a hablar de nuestra amistad con…?»

«El mismo derecho que tú, supongo.”

Cada línea tiene una palabra clave. ¿Puedes sentirlos? El impulso de hablar generalmente ocurre mucho antes de que el orador actual termine de hablar. Seguir ese impulso usualmente resulta en una interrupción.

Un sendero que se aleja, representado en un guión por una elipse (….) también marca la conversación cotidiana. Por lo general, el rastro se utiliza cuando una persona olvida lo que está tratando de decir, está buscando la frase correcta, o está tratando de ganar tiempo. Si tu personaje se aleja con frecuencia de lo pensado, es posible que también sea una soñadora.

La puntuación y la gramática de su diálogo no tienen por qué ser técnicamente correctas. Las frases que parecen preguntas pueden terminar con un signo de exclamación o un punto. Los sustantivos pueden reemplazar a los verbos en la estructura de las oraciones y viceversa. La gente habla en fragmentos; también lo harán tus personajes. Así que no pongas todos los puntos sobre las íes ni cruces todos los puntos sobre las íes. A menos que tu personaje sea un aficionado inglés, un aristócrata refinado o un robot, hacerlo sonará antinatural.

Repetición: Puedes decir eso de nuevo.

La repetición es una herramienta valiosa y multifacética. Se puede usar para enfatizar un punto:

«Hacemos el trabajo, ¿me oyes? Lo conseguimos. El trabajo. Hecho.»

O se puede usar para crear el tartamudeo de la confusión, el amor o el miedo:

«Lo que quise decir fue, lo que quise decir en ese momento, fue preguntar, es decir, me gustaría preguntar, saber, me gustaría mucho saber si podrías considerarlo, tenlo en cuenta, sólo tenlo en cuenta, salir alguna vez.»

También se puede utilizar para representar el afán o la demanda:

«¿Lo conseguiste? ¿Y bien? ¿Lo hiciste? ¿Conseguiste el trabajo?»

Como escritor, usted debe encontrar la manera de crear un diálogo elevado y cuidadosamente seleccionado bajo la apariencia de una conversación naturalista. La puntuación y la repetición hacen que esta tarea sea considerablemente más fácil.

El sonido del silencio

El diálogo no se compone sólo de palabras. Los silencios son tan importantes y, a veces, más importantes para transmitir la intención en la pantalla. Si las palabras están implícitas, el silencio puede sustituir a toda una conversación.

Hay una distinción entre una pausa natural en la conversación y los latidos o silencios que usarás con moderación a lo largo del guión en lugar de las palabras. Si escribieras en cada pausa natural, añadirías al menos diez páginas innecesarias a tu guión. Deje las pausas naturales a los actores. Si tu escenario es lo suficientemente fuerte y tu personaje habla con claridad, un buen actor sabrá cómo decir la línea.

Los latidos son más rápidos que los silencios. Ambas herramientas permiten al escritor hacer una de dos cosas:

• Enfatice la última línea hablada.

• Sugiera a los lectores y a la audiencia por igual que se está llevando a cabo algún intercambio no verbal.

Si su última línea es una maravilla, si quiere que su público la recuerde, tómese un respiro después de ella. Este latido permite que la línea se detenga brevemente antes de que la siguiente acción dirija la atención a otra parte. Si dos personajes participan en algún intercambio no verbal, use un silencio. Este tipo de pausa es tu manera de decir:»Hay una escena en marcha; simplemente no puedes oírla». Los compositores usan notas de gracia a lo largo de una partitura para dejar que la música respire. Los escritores usan el silencio.

Practica la reescritura de diálogos genéricos o neutrales con estos tres elementos musicales, o colócalos en una escena de tu guión. Usted debe ser capaz de decir esencialmente lo mismo con diferentes emociones en mente y, por lo tanto, con diferentes ritmos.